从素描教学中理解素描艺术，本文主要内容关键词为：素描论文,艺术论文,教学中论文，此文献不代表本站观点，内容供学术参考，文章仅供参考阅读下载。
［中图分类号］J214 ［文献标识码］B ［文章编号］1001-5140(2001)100-0178-04
素描就是在全面研究自然物体的基础上巩固专业知识的方法。在素描教学中，起决定作用的是眼睛的正确训练及描绘方法的培养，任务就是要启发学生自觉地对待描绘的过程。
人用眼睛观察世界和照相机的不同之处在于人具有思维能力。人们的社会经历、文化背景、个人爱好及情感变化，都会对观察到并对将要画下来的客观世界进行“变形”。所以，造型艺术只能按照艺术思维的规律，去进行基本功的训练。因而，对于每个学生不同的感受、不同的立意、不同的构恩、不同的构成方式，都必须给予尊重。早在文艺复兴时期，艺术家们就高度地重视素描，他们把素描称之为：“绘画的源泉”、“灵魂”，是“造型的精髓”，是“学习自然的重要手段”，是“建筑、绘画、雕刻之父”。当时的素描主要帮助画家对周围事物的造形、人体的比例、运动、解剖、结构及绘画的构图等进行研究。达芬奇说：“所谓素描，不是只追求自然的作品，而是超越了自然所形成的东西。”当时画家们在素描中，极其重视线条的作用，并且强调、结构等因素，强调形象的主要特征。那时的素描已具有高度的艺术性与绘画技巧。到了17、18世纪学院派时代，开始学习素描一般都从临摹前辈大师的优秀作品起，或者写生石膏像（希腊、罗马雕像），通过这种方法了解、承袭并掌握大师们的技巧和方法。当获得一些知识后，再进行对模特儿的现场写生。当时学习素描的一般目的大都是通过素描手段来掌握的，那时素描已达到相当精湛的水平。从那时一直到本世纪初，从学院派后期到印象主义的崛起，这时期的素描在学院派的基础之上，更为科学地、真实地表达了客观世界，并产生了许多素描教学方法和素描表现手法，从而形成了各种不同的体系。此时画家们更多地借助于从对象本身探索出来的手段与方法表达对象。“生活就是美”的美学观点的发展对绘画有着明显的影响。柯罗说：“对自然的表现要单纯、符合您个人的感受，完全摆脱古代或当代大师们已有的一切成法，只有这样，您才能打动观念。”表达出对大自然的直接感受是客观地再现大自然风貌的基本条件，重视感觉和观察的规律，重视素描在描绘过程中所起的作用。20世纪以来的现代（后期印象派到现代各派）艺术开始打破一直公认的美学价值的“直观基础”，产生了不仅仅反映物质世界，而要去表现“精神世界”的倾向。他们认为：“准确的描绘不等于真实”，应该“从知觉着手到想象”。提倡强调“个人的感受方式”和“个人的理解方式”；强调“摆脱公式的，经过作者整体思考，并从个人不同的感觉和不同的理解中直接流露出来的素描。”此时的素描表现出更加概括、意念及变形，有着明显的夸张和装饰性的趋势。
通过以上我们对素描在绘画史中的简单回顾，能概括地看出其发展的各个阶段及趋向。然而，针对当前的素描教学，看来重要的是要研究素描的最本质的东西。我们知道，素描是一种学习艺术的方法，它不仅能对自然的造型规律作深入的研究，同时也能使学生在其研究中对造型方面进行主观的艺术思维。使学生能积极地、主动地运用和发展造型规律，这才是对学生进行素描训练的任务之一。应该明确地向学生说明，素描是造型艺术的基础，素描教学也应运用现实主义的原则，要求用写实的手法表现对客观自然的真实感受，作品应以客观对象为依据，并经得起按照自然对象进行检验。这里要说明的是：表现对象的真实并不意味着照抄，做自然的奴隶，而是在老师的指导下，学生根据对客观对象的独特认识和感受，艺术地表现一定环境和光线下的具体物象。这时，学生的主观感受是既应依据客观对象并受制于客观对象。所谓“艺术地表现”是指概括、取舍、加强或减弱等艺术处理。随着油画直接画法的形成，绘画上写实主义的要求，使素描更加重视结构的表现，也更加重视光、空间、质感等视觉因素的运用和表现，也更重视画家或学生个人的视觉感受力和个人所独具的手法。素描须按照艺术表现的规律来进行，单靠理性分析指导是不行的，它不是像练习绘制工业与工程用图那样，只靠数据的准确为准，而应以感性为基础，积极地表现主观感受。丰富的艺术语言是在素描训练的过程中潜移默化地形成的。所以，在教学中应该一方面训练学生掌握从再现到表现对象的能力，一方面培养学生的审美能力，对艺术美和艺术格调的探索。审美能力能启发学生对客观自然美的感觉和对美的认识能力，而艺术格调（即艺术口味）能使学生对自己艺术美的倾向有所追求。为此，素描须不断地进行实践研究以此提高本身的修养与技巧，这也是进行素描教学的任务艰巨之所在。素描训练要求学生不仅要获得技能，而且要懂得艺术，在研究自然规律的过程中，逐步领会和学习艺术的要领。要求学生不仅懂得普遍的规律（造型规律），而且要求在掌握普遍规律的学习中找到各自在观察、认识和表达自然上的特殊方式。正确地引导学生去进行素描，结果将会使他们在面对客观自然的时候，学会如何观察、如何思考和如何表达。所以，素描训练将帮助学生掌握科学（造型方面的范畴），懂得艺术和认识自己。学生画基础训练的素描与大师们的素描在规律和方法上不存在本质上的区别，应该教育学生，学规律和学艺术是同时开始的，想学好规律必须有艺术上的追求，大师们的素描多数也是研究与练习并存的；然而，他们与学生所画的素描区别在于，他们充分地认识了素描的特征和重点所在，并对素描的本质有充分的了解和研究。不容置疑，一幅好的素描值得我们欣赏和重视的是画家是否用绘画的语言完整地表现出他们的意念和在作品中让人看到的表现手法，而给人的是视觉感受。以下摘录几段名人的话，以便领悟何为素描的本质所在。契斯恰柯夫说过：“画出一百幅类似的头像——这是收集，只有理解了需要如何去画这些头像——这才是学习。”德加认为：“素描不是描绘形体，它是描绘从形体上所获得的感受。”罗丹认为：“有人以为素描本身是美的，而不知素描所以美，完全是由于所表达的真实和感情。”马蒂斯：“物质本质的真实，构成了素描。”布鲁德尔则说：“务必用感觉和本质的融合，来正确地掌握对象在形态上的要领，并表现出在实质上的造型关系。”
现代的学生思维空前活跃，他们大多数对基本功的训练十分重视，并对自己不断提出新问题，探索新问题，随着年级的增高，教学相长，使得构成、变形、力度、节律、装饰等一系列问题，成为师生们热衷的话题。此时，构成的涵义已经不限于取景框式的构图法了，它更多地带有主观构想，人为地重新组织和安排画面的布局。同时，他们反而以此而显得理直气壮。变形过去被称作搞形式主义，现在他们已经懂得，变形是经过艺术思维而对客现形体的改造，只有经过这一变形的过程与结果，画家的情感趋向，甚至时代的、民族的精神才能流露出来。同时，实践也证明变形不是胡涂乱抹，更不是轻而易举的。变形虽带有画家的主观随意性，但必须建立在对模特儿（客观自然）的整体把握上。特别是对模特儿的整体趋势和节奏韵律的明确领悟下，才可能被创造出来。然而，这要经历艰苦的实践过程。力度包含了两方面的内容，一是客观的，如模特儿运动的力度趋势；另一方面是主观的，这一点是决定性的方面。首先，是能不能领悟来自模特儿的力能不能对此进行整体概括，但重要的是通过艺术思维构想出改造过了的艺术形象，通过构成，变形等手段，通过笔在纸上运动的力的强弱的有规律的变化，使表现艺术形象的语言升华、纯化，而充满力度感。这是在素描教学中要求学生通过借鉴、领悟并实践的。节奏、韵律是绘画中的音乐，节奏是强弱的有规律的重现，以此来表现画家某种情感的节拍韵律则是情感在方向上起伏运动的轨迹，这都具有一定的抽象性，是绘画中表达画家情感的重要艺术手段。现在学生普遍地理解和运用了它，作为教师更应该从理论到实践促进学生自觉地深入地去把握它。此外，装饰感并非只用于图案之类的作品，绘画作品中程度不同地存在着装饰感。这是由于点线面色这类绘画语言的升华纯化，在画面中如何取舍、组织并排列它们而造成的某种装饰效果。当我们在素描教学中要求学生把素描基本功训练和艺术个性，艺术地表现联系起来的时候，一定不能忽视基本功训练由浅入深地系统性和递序性。基不功中有一部分内容不是艺术，而是技术。训练它们虽然有时很枯燥、痛苦，但要告诫学生，这些对艺术是绝对必要的。所以，在教学安排上，一定要做到由浅入深，有条不紊。
另外，我们的素描基础教学是整个绘画教育的重要组成部分。尽管一个画家的画风是逐渐形成的，决定因素是多方面的，可是，初学美术时的素描基础训练，往往会对一个人的艺术道路起重要的决定作用，并对他今后的艺术发展产生深远的影响。作为造型艺术的素描基础，要求素描训练不仅是使学生掌握认识客观自然的手段，描写自然的手段，同时要掌握用感人的表现手段。因此在强调客观规律性的同时，不能失去对艺术表现力的要求，否则就无法达到感人的目的。因此我们的素描写生，目的应该是运用素描手段，提高对于自然事物的观察能力，理解能力和表现能力，并从中理解和掌握造型艺术的某些规律。素描表现能力的提高，不能靠动作的熟练，也不能只靠时间的积累，而是靠在一定的艺术思维和审美能力指导下的有意识的脑力劳动。而绘画风格的形成就是这种脑力劳动的结果。鲁迅说：一张画或一个雕像，其实是作者的“思想与人格的表现”。关于这一点，也为古今中外的大师们的实践所证明。在素描教学中，不可能避开自己的风格和学生的风格基础去传授的素描技艺，应该考虑的是：有利于学生个性发展的必须遵循的准则是什么？什么是严格训练的标准，又怎样可以使二者统一起来？如果把绘画的风格看成学生毕业以后的事，脱离学生的思维特点，单纯地用规律知识去要求学生的作业就无异于将课堂当成了手艺作坊，从而也背离了我们的教学原则。事实上一个学生不是这种风格就是那种风格。没有任何风格的学生是不存在的。那怕是临摹的风格，模仿的风格都是如此。应该要求学生在素描表现中，必须通过认识的积极作用，去捕捉和强调那些在自然对象自身上发现的具有本质意义的表面特征，舍去那些偶然的和非本质的东西，探索艺术概括的手法，去表现出自然对象的精神实质。正因为每个学生艺术思维的基础不同，认识程度不同以及审美的意趣不同，所以在认识的积极发挥上，也是各不相同的，这就是形成不同的风格的基础所在。每个学生的艺术思维，一般在素描写生过程中都会显露出来。教师应透过学生画面，看到深的东西，因材施教、因时施教；帮助学生总结经验教训，使他们逐步立足于未来的发展，正确对待自己的优缺点。这就要求不断地加强艺术修养，提高识别优劣的能力，准确地掌握情况。评判学生的作品应是客观地、中肯地，而不是以自己的一时爱恶好转移，这样才能令人信服，有利于学生正常发展自己的风格。应善于发现和爱护学生的积极性和独到之处。对于他们的缺点，要有分析，通过引导，使他们产生克服缺点的信心。如果每个学生的优点和独到之处都得到教师的肯定，必然教学效果是可观的。他们每个人的作业，就不会互相雷同，而是各具风貌的。提倡教师临堂示范写生，不要轻易改动学生的作业，即便要动手改，也应是启发性，有针对性的。
素描的绘制在造型上是一个非常主动的过程。同时，素描绘制又是一个不断探索的过程。学生在学校进行素描训除的内容，主要是研究各绘画因素的规律，研究它们之间的关系，以达到充分地、深入地认识客观自然在造型方面的普遍规律，认识自然美的各个方面，认识它们在造型中的作用和意义。素描的过程是由“观察”开始，到“体现”结束。从理论上讲，它是一个从感觉到理解，然后又回到感觉这一程式的不断反复、不断加深的过程。在实践中从“观察”到“体现”之间还有一个“分析、综合和探究”的过程。艺术的目的，要求研究自然和掌握自然，通过表现的过程再现自然，画家们都懂得“自然”是一回事，而艺术完全是另一回事。为了达到画面的表象，要掌握自然规律，同时要掌握艺术规律，并善于使自然规律服务并服从于艺术。作为一个优秀的素描教师，有责任引导学生进行这些方面的独立思考，多提供资料让他们欣赏、学习、开阔眼界、扩大自己的容量，让他们树立起学习的信心，在勤学苦练中时时注意提高审美的鉴别力；提醒他们要相信自己，要有独到的见解。我们知道，在素描教学中的严格要求，与注意个人风格的培养应该是完全一致的。历代素描大师所共同崇尚的是质朴，是形体的明确性和内容的深刻性。同时要避免学生为了风格而风格，陷入形式主义过分追求之中。凡是优秀的教师，都很注意教育学生在“求格”、“立品”方面用心，并一心为着绘画艺术的发展着想。教育学生把修业与修德结合起来，为将来更好地选择自己的绘画道路而努力。